Jacopo Di Cera : "Photographier l’Italie a aussi été une manière de comprendre ma propre relation avec elle."

Jacopo, pourriez-vous nous parler de votre parcours ? Comment la photographie a-t-elle pris une place aussi importante dans votre vie ?

Je suis né à Milan et je vis à Rome. Je viens du monde de la communication… Dans ma "première vie", j’étais directeur marketing au sein d’une entreprise, puis j’ai fondé une agence de communication, avant de décider de consacrer entièrement ma vie à l’art et à la photographie. Mon intérêt pour la photographie est né dès que j’ai "atterri" à Rome. Au départ, c’était un espace que je pouvais m’accorder, une manière d’explorer, de voyager et de prêter davantage attention à ce qui m’entourait. Mes premiers projets portaient sur des garçons pratiquant le parkour sur les toits de Jérusalem ou sur des combats de coqs clandestins à Cuba. Avec le temps, j’ai ressenti un besoin croissant d’exprimer quelque chose de plus profond, à travers des projets et des idées précis. Il y a quinze ans, un atelier d’été en Toscane avec Oliviero Toscani a marqué un tournant : il nous a aidés à transformer complètement notre manière d’utiliser la photographie. Dans cette nouvelle phase, j’ai exploré de plus en plus en profondeur les relations et les comportements humains. D’abord, à travers une approche que j’appelle le "photomatérisme", puis en changeant totalement de point de vue. La présence humaine est devenue le fil conducteur de mon travail : comment nous vivons ensemble, comment nous habitons les lieux et ce qui subsiste après notre passage. Parfois, j’aborde ces questions à travers les personnes elles-mêmes ; parfois à travers leurs ombres, leurs gestes ou les objets qu’elles laissent derrière elles. Cette curiosité continue de me guider, de la photographie aux images en mouvement et à l’installation.

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"'Human Traces' réunit plusieurs voies de ma recherche artistique : l’art vidéo numérique et la photographie."

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Vous présenterez prochainement l’exposition Human Traces à Paris Photo. Comment cette exposition est-elle née et qu’est-ce qui relie les différentes œuvres ?

Human Traces est née du constat qu’un même fil reliait différents pans de ma pratique : les façons dont notre présence devient visible dans le monde. Une trace peut être un geste fugace, une ombre ou un rassemblement de personnes. Elle peut aussi être une tradition transmise d’une génération à l’autre, ou une transformation durable du paysage. L’exposition fait dialoguer ces différentes significations à travers la photographie et l’installation numérique. Ce projet réunit plusieurs voies de ma recherche artistique : l’art vidéo numérique et la photographie. Il commence avec Ciclica, l’installation présentée à la Biennale de Venise au pavillon national de la Sierra Leone, consacrée à l’impact humain sur la Terre. Il se poursuit avec Dry, une série sur le changement climatique, et se termine avec Sospesi, où l’on peut percevoir les traces humaines depuis un autre point de vue. C’est un voyage. Réunir ces œuvres avec DANAE permet aux visiteurs de passer d’une échelle et d’un rythme à l’autre : de l’intimité d’une scène quotidienne aux formes que dessine une communauté, jusqu’à la vulnérabilité de l’environnement qui leur permet de vivre.

L’un des aspects les plus saisissants de votre photographie est votre manière de saisir les paysages et les personnes vus d’en haut. Comment avez-vous développé cette approche et que vous permet-elle de voir différemment ?

Il y a douze ans, j’ai changé de point de vue. J’ai décidé de regarder et d’explorer le monde selon une autre perspective. J’ai développé un point de vue strictement vertical, l’appareil dirigé vers le bas. Cela aplatit la profondeur et place les personnes et le paysage sur un même plan visuel. Aucun individu ne domine automatiquement la composition ; le regard est libre de découvrir des relations dans toute l’image. Les visages deviennent moins reconnaissables, tandis que les gestes, les ombres et les distances gagnent en expressivité. On commence à remarquer comment les gens se rassemblent, comment ils occupent l’espace, comment ils recherchent la proximité ou créent de la séparation. La distance physique me donne une autre forme d’accès aux comportements humains. La "genèse" de cette nouvelle approche a eu lieu à Procida. J’observais des bateaux se rassembler à l’heure du déjeuner et je me suis demandé à quoi cette scène pouvait ressembler vue d’en haut. À travers le drone, leur disposition révélait un sentiment de communauté bien plus difficile à percevoir depuis l’eau.

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"J’ai découvert à quel point notre identité réside dans des gestes auxquels nous nous arrêtons rarement."

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Votre série au long cours Sospesi explore l’identité italienne, les traditions et la vie quotidienne. Qu’avez-vous découvert de votre propre pays en le photographiant pendant plus de dix ans ?

J’ai découvert à quel point notre identité réside dans des gestes auxquels nous nous arrêtons rarement. Notre manière de nous installer sur une plage, de nous rassembler autour d’un bateau, de célébrer une fête locale ou de passer du temps ensemble en dit beaucoup sur qui nous sommes. Dans des lieux très différents, je retrouve sans cesse un fort désir de faire communauté. Le Palio Marinaro dell’Argentario, le Redentore à Venise et un simple après-midi d’été révèlent chacun leurs propres façons d’appartenir à un groupe. Les traditions donnent une forme visible à cette appartenance et font vivre la mémoire d’un lieu dans le présent. J’ai également pris davantage conscience des contradictions de l’Italie : la coexistence d’une beauté extraordinaire, d’un usage intensif du paysage et d’une fragilité environnementale. Au fil du temps, Sospesi est devenu le portrait d’un pays à travers ses habitudes. Je me reconnais dans ces scènes. Photographier l’Italie a aussi été une manière de comprendre ma propre relation avec elle.

Certaines des œuvres que vous présenterez, notamment Dry Series, révèlent les effets du changement climatique sur le paysage. Voyez-vous la photographie comme un moyen de sensibiliser aux enjeux environnementaux ?

Oui. La photographie peut donner à un enjeu environnemental une forme à laquelle les gens peuvent consacrer du temps et se relier émotionnellement. Nous recevons tellement d’informations sur le changement climatique qu’il peut devenir difficile de maintenir notre attention. Une image ou une installation peut créer une pause et nous amener à regarder à nouveau. J’ai commencé cette démarche de "sensibilisation par l’art" à Dubaï, il y a deux ans, avec Retreat, une installation commandée par la foire Art Dubai, qui nous confronte à ce qui arrive aux glaciers. Avec Dry Series, je souhaite porter cette attention sur la vulnérabilité du paysage et sur notre relation avec lui. La beauté crée souvent le premier lien avec mon travail. Lorsque quelqu’un poursuit son observation, j’espère que des questions commencent à émerger sur ce qu’il regarde et sur les conditions qui ont produit cette situation. Pour moi, la prise de conscience commence lorsque nous reconnaissons que nous sommes concernés. Les environnements que nous photographions, visitons et apprécions sont aussi ceux dont nous dépendons. J’espère que les images rendent ce lien plus immédiat. Et qu’après cette étape, celle de la "prise de conscience", nous passons à "l’action".

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"Au cœur de 'Ciclica' se trouve une interrogation sur la régénération. Nous nous comportons souvent comme si la capacité de la nature à se rétablir était illimitée."

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À Paris Photo, vous présenterez également Ciclica, une installation multimédia inspirée de Gaïa, la déesse de la Terre. Pourriez-vous nous en dire davantage sur ce projet et sur le message qu’il porte ?

Ciclica imagine la Terre comme un corps vivant. Gaïa donne une forme humaine à cette idée, nous permettant d’aborder la relation entre la vie, la fragilité et la transformation à travers le mouvement. L’œuvre s’articule autour de la naissance, de la vie et de la mort. À travers la performance de Lidia Carew et le dialogue entre les images en mouvement, ces étapes deviennent une manière de réfléchir aux pressions que nous exerçons sur les cycles naturels. Le corps rend la vulnérabilité physiquement perceptible : nous reconnaissons l’effort, la tension et l’épuisement à travers notre propre expérience. L’installation utilise également des écrans de récupération. Leurs vies antérieures et leur réemploi participent au sens de l’œuvre. Ils inscrivent les questions de consommation et de renouvellement jusque dans sa construction matérielle. Au cœur de Ciclica se trouve une interrogation sur la régénération. Nous nous comportons souvent comme si la capacité de la nature à se rétablir était illimitée. Je voulais explorer ce qui se produit lorsque nos actions mettent cette capacité à une épreuve toujours plus grande.

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"La photographie me permet d’isoler un instant et de le maintenir ouvert à l’observation. La vidéo me donne la possibilité de travailler la durée, la répétition et l’attente."

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Votre pratique a évolué de la photographie traditionnelle vers la vidéo et les installations numériques. Qu’est-ce qui vous intéresse le plus dans l’exploration de ces différentes formes d’expression ?

Le temps est ce qui m’intéresse le plus dans cette évolution. La photographie me permet d’isoler un instant et de le maintenir ouvert à l’observation. La vidéo me donne la possibilité de travailler la durée, la répétition et l’attente. Dans Infinity, par exemple, je crée des boucles vidéo sans raccord perceptible, dont on ne distingue ni le début ni la fin. Une action ordinaire continue de se dérouler, et cette répétition peut lui donner un caractère étrangement suspendu. On devient plus attentif à des détails qui pourraient nous échapper lors d’un simple coup d’œil. Mon intention, en utilisant ce médium, était de répondre à cette question : si l’émotion dure le temps d’une action, qu’advient-il de cette émotion lorsque l’action dure éternellement ? L’installation ajoute une autre dimension : l’image occupe un espace physique et le spectateur la rencontre à travers son propre corps et ses déplacements. Je m’intéresse également à l’écran en tant qu’objet, avec sa propre histoire matérielle. Utiliser des moniteurs de récupération fait entrer cette histoire dans l’œuvre. La matière devient une composante de l’œuvre d’art. Ces possibilités ont élargi ma pratique tout en gardant le point de vue au centre. Le point de départ reste un lieu, un geste humain ou une relation que je cherche à comprendre.

Vous exposez également en ce moment à la Biennale de Venise, au pavillon de la Sierra Leone. Pourriez-vous nous parler de ce projet ? Avez-vous d’autres expositions ou projets à venir ?

À la Biennale de Venise, je présente Ciclica au pavillon de la Sierra Leone. Voir l’œuvre dans un contexte international ouvre de nouvelles perspectives sur les questions qu’elle pose autour de la Terre, de la responsabilité et de notre vulnérabilité commune. La présence physique de l’installation est particulièrement importante : les visiteurs découvrent une constellation d’images et d’écrans de récupération qui les invite à passer du temps au sein de l’œuvre. Paris Photo constitue le prochain chapitre, en faisant dialoguer Ciclica avec ma photographie à travers Human Traces. Je développe également Don’t Look Up, un projet qui prend pour point de départ des photographies réalisées depuis des cours intérieures, l’objectif dirigé verticalement vers le haut. Des interventions numériques transforment le ciel en un espace où des événements contemporains entrent dans l’image. J’explore la manière dont ces œuvres pourraient revenir dans les cours elles-mêmes sous forme d’installations, créant une relation directe entre l’architecture, l’image et les personnes qui en font l’expérience.